Several Persons

Tre domande un po ingenue (lezione del 16 marzo 2023)

ISIA Istituto Superiore per le Industrie Artistiche, Urbino

Come funziona il processo creativo a livello individuale?

La creazione individuale è esclusivamente individuale o è influenzata da una dimensione collettiva?

In che modo la storia dell'arte si occupa della creazione individuale e collettiva?

Sei (lezione di novembre e dicembre 2022)

Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, Bruxelles

Con la collaborazione di Aleksandra Chaushova

Sei quell'artista che gioca con le parole. 
Sei quel "giovane artista promettente". 
Sei l'artista con il senso dell'umorismo. 
Sei l'artista degli animali. 
Sei l'artista che realizza opere pornografiche ed esteticamente elaborate. 
Sei l'artista che usa la lingua inglese nella sua arte.
Sei l'artista che si interessa al corpo.
Sei l'artista che lavora sulla memoria. 
Sei quell'artista storico dimenticato che viene improvvisamente rivalutato.   
Sei l'artista ossessionato dalle linee.
Sei l'artista che è un miniaturista.
Sei quell'artista che lavora alla maniera della scuola di Düsseldorf (tutta distanza e geometria).  
Sei l'artista astratto geometrico.
Sei quell'artista che lavora solo con i numeri...
Sei quell'artista che lavora con il colore. 
Sei quell'artista impegnato. 
Sei quell'artista che nasconde tutto.
Sei quell'artista che non dice nulla.
Sei l'artista che gioca con la gravità, mostrando tutto in modo strano. 
Sei l'artista che si ispira alla storia.
Sei l'artista che si ispira alla storia dell'arte. 
Sei quell'artista che fa arte da salotto.
Sei quell'artista che ha fatto ricerche su un tema.
Sei quell'artista che dice tutto. 
Sei quell'artista che parla di sé. 
Sei quell'artista che realizza opere altamente vendibili. 
Sei quell'artista che fa opere invendibili. 
Sei quell'artista che fa troppo.
Sei quell'artista che dà valore a ciò che è unico. 
Sei quell'artista che valorizza il generico.
Sei quell'artista che si ripete.
Sei quell'artista che viaggia.  
Sei quell'artista che analizza Bruxelles. 
Sei quell'artista che non è del suo tempo.
Lei è quell'artista che è del suo tempo.
Sei quell'artista il cui lavoro funziona secondo il principio delle bambole russe.
Lei è quell'artista che trasforma le situazioni tristi in situazioni divertenti.
Sei l'artista il cui lavoro si svolge secondo il principio dello specchio.
Sei l'artista le cui opere spiccano nei dettagli, laddove nel complesso sembrano banali.
Sei l'artista che crea opere su un evento che probabilmente accadrà presto.
Sei l'artista che realizza opere su ciò che è accaduto questa mattina.
Sei quell'artista che crea opere che esistono solo nell'aria.
Sei l'artista che fa opere che tuo padre o tua madre farebbero se fossero artisti.
Sei l'artista che realizza opere basate su piani di montaggio.
Sei l'artista che realizza opere facili da immagazzinare.
Sei l'artista con un carattere irascibile.
Sei l'artista distratto.
Sei l'artista felice.

Cosa faremmo se fossimo italiani? (modulo di novembre e dicembre 2022)

Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre, Bruxelles

In collaborazione con Veronica De Giovanelli

Con la partecipazione straordinaria di Daniele Coppola, Gianmarco Falcone, Jacopo Pagin, Linda Carrara, Stefano Moras, Laura Viale, Robberto & Milena Atzori

Dinamica dei fluidi

Ci addentriamo nel database dell'immaginario italiano, concentrandoci sul modo in cui le opere coinvolgono la nozione di spazio. Analizziamo gli approcci allo spazio che gli artisti italiani, siano essi pittori, fotografi, scultori o architetti, mostrano nelle loro opere... Quali sono i giochi di proporzioni, l'orientamento, i formati, gli spazi tra i volumi, le prospettive, i trompe l'oeil, la stratificazione dei piani, l'attenzione per il vicino, il lontano, il fuori campo...? Questa analisi può essere fatta attraverso schizzi, spiegazioni degli approcci allo spazio osservati attraverso il disegno. Pensiamo a quegli storici dell'arte che si sono interessati alla dimensione matematica dei dipinti rinascimentali, svelando i principi alla base di certe composizioni di affreschi o quadri.

Ritratti incrociati

Ogni studente ha caricato il proprio portfolio e il lavoro svolto fino a quel momento nel modulo su uno spazio di archiviazione dati online comune per tutti. A ogni studente viene poi chiesto di percorrere il perimetro dell'Abbaye de la Cambre (compresi i giardini e le strade che circondano il sito) con l'obiettivo di realizzare un reportage fotografico e/o raccogliere oggetti trovati. L'oggetto di questa relazione e/o raccolta è il lavoro di ogni alunno della classe (se la scelta è fatta sul principio degli oggetti trovati, devono essere raccolti almeno tre oggetti per ogni pratica indicata). Ogni alunno fa quindi un ritratto diagonale, metaforico ma non per questo meno preciso, della pratica di ciascuno dei suoi compagni di classe. Questo si basa sulle caratteristiche distintive di ogni pratica, che avremo imparato a conoscere man mano, e sul coinvolgimento di ciascuno negli esercizi. Ogni studente realizza anche un autoritratto della propria pratica creativa, basato sulla stessa collezione di oggetti trovati o sulla speculazione fotografica.

Rifacimento

Ogni studente sceglie una delle caratteristiche dell'immaginario collettivo italiano individuate dal gruppo nel corso della ricerca. Sceglie quindi una sua creazione personale del passato e si impegna a rifarla, incorporando, integrando, il tratto dell'immaginario selezionato al suo interno. Nel caso in cui l'opera originale comporti un lavoro che non può essere letteralmente affrontato nel tempo e con gli strumenti a disposizione, lo studente è libero di considerare la versione originale in una luce più "leggera", e quindi di creare una variante italiana altrettanto leggera, adattata ai mezzi tecnici che possono essere impegnati nell'ambito del modulo e del tempo a disposizione.

Ritratto pittorico dei nostri ospiti

Creiamo un ritratto della pratica di ogni ospite ricevuto nel modulo, raccogliendo, in modalità libera, set di immagini di opere dal nostro database italiano. Gli insiemi di immagini risuonano, estendono e condividono le caratteristiche specifiche della pratica di questo o quell'artista che abbiamo incontrato. Cerchiamo quindi di osservare se, sotto la copertura di queste caratteristiche specifiche, emerge una caratteristica comune, collettiva.

Una mostra effimera

Nel nostro database italiano, rileviamo una caratteristica dell'immaginario collettivo italiano che non è ancora stata evidenziata, oppure ci basiamo su una caratteristica già identificata dal gruppo. Creiamo quindi un'installazione (che può essere in miniatura) nello spazio fisico, reale, che dispiega questa caratteristica. Questo intervento plastico effimero viene documentato attraverso la fotografia. Le immagini d'archivio vengono organizzate in un documento al computer. Alla classe viene quindi mostrato sia il risultato fisico del lavoro che la sua documentazione digitale.

Genealogia

Armati di una linea dell'immaginario collettivo italiano, individuata attraverso il contatto con l'arte contemporanea, ci addentriamo nella banca dati italiana sul versante dell'arte antica. Cerchiamo di trovare le radici storiche di questo tratto, che sarebbe stato ripreso dalle nuove generazioni. L'arte cosiddetta "antica" potrebbe non essere così antica: XVIII secolo, o XIX secolo. O anche dell'inizio del XX secolo. Per stabilire questo confronto, si procede associando immagini, sotto forma di tavole, o con qualsiasi altro mezzo testuale, visivo, o anche audiovisivo o sonoro. Un altro metodo può consistere nello scegliere una figura storica dell'arte italiana (per esempio Masaccio), associando poi all'opera di questo artista storico le opere di artisti venuti dopo di lui (o anche molto dopo) che sarebbero i suoi eredi, sotto forma di deriva/derivazione genealogica (si veda anche la definizione di questa scienza chiamata filogenesi).

Città-Paese

Si scava nel nostro database dell'immaginario italiano e si individuano gli artisti provenienti dalle stesse città italiane, o da luoghi vicini a queste città (è probabile che le città sufficientemente rappresentate, in termini numerici, siano città come Torino, Venezia, Roma, Milano, o anche Napoli - se si è interessati a una città che non è ben rappresentata, è possibile cercare altri artisti che provengono da essa e che non sono ancora presenti nel nostro database). Si copiano i file delle opere di questi artisti sul proprio computer. Cerchiamo poi di vedere se emerge un'identità estetica legata alla città. Si stabilisce una tesi visiva in merito. Questa ricerca su base geografica può anche essere ampliata utilizzando immagini della città e dei suoi dintorni che possano spiegare l'attrazione degli artisti della città verso un particolare soggetto, una configurazione del paesaggio, una dichiarazione politica, un'etica o una poetica. Possiamo anche utilizzare tutto ciò che costituisce il substrato storico di questa città, in particolare nei suoi aspetti folcloristici e vernacolari, ma anche in quelli più ufficiali.

Tavolozza cromatica

Viene effettuato uno studio cromatico dell'immaginario collettivo italiano. Si cerca di distinguere la tavolozza di ogni città/regione d'Italia rappresentata nel nostro database, attraverso gli artisti che la compongono e che provengono da questa o quella zona. Questa ricerca cromatica viene espressa sotto forma di mappa, o in qualsiasi altra forma che sembri appropriata. Possiamo trattare le tinte, così come le intensità. L'analisi può essere specificata distinguendo il modo in cui il colore viene trattato (in toni piatti, in toni smorzati, in luminosità, come contrappunto a un nero, a un bianco, a un giallo, in modo parsimonioso, o abbondantemente, rumorosamente). L'analisi riguarderà sia il colore che il modo in cui gli artisti lo utilizzano.

Fiera del mondo

Trovate un modo per mostrare tutte le ricerche svolte durante il corso sull'immaginario collettivo italiano. Alla fine stampiamo i documenti che avete creato, di esercizio in esercizio, e troviamo un modo per spazializzare tutto questo materiale, per creare una sorta di mostra, che probabilmente verrà presentata agli ultimi ospiti del corso, il 22 dicembre. Questa mostra serve come supporto per un dibattito finale tra gli studenti del corso e i nostri ospiti.

 

Esuberanza (workshop dal 4 al 8 Ottobre 2022)

Accademia di Belle Arti, Bruxelles

Ci dicono: Brussels Drawing Week, la settimana del disegno, proprio in questa città, all'inizio di ottobre 2022. Ci dicono che ovunque ci sono eventi che onorano questo mezzo in tutte le sue varianti. Per questo l'Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles dice: fatevi coinvolgere! È il festival del disegno: sarà questa settimana, non la settimana prima, non la settimana dopo: questa settimana. Prima sarà troppo presto. Dopo, sarà troppo tardi. Questa sarà la sua finestra di lancio, la sua finestra di tiro! Diamo una festa! La carta, il primo di tutti i supporti colpevoli: non perde nulla nell'attesa. Lo copriremo con segni intelligibili e non intelligibili. Lo coloriamo e lo coloriamo. Lo scolpiremo. Lo metteremo via, per poi disturbarlo di nuovo. Noi lo fotograferemo e lui ci fotograferà. Ci sconvolgerà. Ci sorprenderà. Lo prenderemo a pugni. Lo bucheremo. Vi faremo dei buchi rotondi e dei buchi quadrati, punteggiati da commenti rettangolari. Lo curiamo, lo coccoliamo, lo sporchiamo e poi, magnanimamente, lo puliamo. Verrà tagliato. Vi progetteremo edifici e panchine: ci torneremo. Lo accartocceremo, lo stamperemo. Lo litograferemo. Verrà steso e piegato. Può essere tessuta e serigrafata. Lo nasconderemo, lo sigilleremo, lo compreremo anche (ahimè). Lo venderemo (si spera). Lo ripareremo dalla luce del sole. Lo esporremo al bagliore di Saturno. Realizzeremo carte di caramelle, banconote, aeroplani. Lo incolleremo. Lo firmeremo. Lo scriveremo, lo definiremo. Ci divertiremo. Esageriamo. Ne faremo tonnellate e tonnellate. Per quanto riguarda il cartone, il legno, il tessuto, tutto ciò che accoglie la traccia e l'azione? Non fatemi già rivelare il frutto della vostra immaginazione!

 

Bota feat. Bracops (Laboratori da gennaio a maggio 2022)

Athénée Joseph Bracops, Bruxelles

Sotto la direzione di Mathilde Manche, Grégory Thirion, Ophélie Martinage

Le Botanique di Bruxelles è un centro d'arte che ospita mostre temporanee. Anche se non è un museo, possiede una piccola collezione di opere donate da artisti che hanno esposto qui nel corso degli anni. 

Nel 2022, è stato espresso il desiderio di realizzare un progetto su questa collezione con una classe di studenti della scuola secondaria dell'Athénée Joseph Bracops di Anderlecht. 

Sotto la direzione di Mathilde Manche e Grégory Thirion, è stato avviato un progetto di iniziazione all'arte contemporanea e la creazione di una mostra con opere della collezione Botanique.

Dalla fine dell'inverno all'inizio della primavera, vengono offerti vari laboratori. 

Il primo workshop si concentra sul ritratto. Le istruzioni vengono distribuite agli studenti in modo casuale. Si chiede loro di disegnare un certo tipo di ritratto. Ad esempio: "Disegna un autoritratto quando non sarai più in vita".

Il secondo workshop si concentra sulla rappresentazione dello spazio. Si incrociano casualmente due tipi di istruzioni, uno spazio e un modo di rappresentarlo: "una mappa di una città lacustre / solo con titoli ritagliati dai giornali".

Il terzo workshop è dedicato all'idea di classificazione. A ogni studente viene consegnato un foglio identico. Le istruzioni vengono mostrate su uno schermo e ognuno fa un disegno simile, individuando con discrezione i capricci di ogni personalità. 

Il quarto workshop è un'opportunità per provare il video. Si incrocia un genere cinematografico (per esempio un thriller) con una trama (per esempio l'ultimo giorno di saldi) e da lì si tesse un'improvvisazione. Ogni squadra realizza un filmato di pochi minuti. 

Il quinto workshop si concentra sulle opere della collezione Botanique. Un questionario stravagante viene distribuito a ogni studente, al quale viene assegnato un lavoro. Le risposte scritte o disegnate vengono riportate sul questionario, diventando di fatto una nota esplicativa dell'opera. 

Il sesto laboratorio mette gli studenti nei panni del curatore della mostra. Vengono distribuite riproduzioni in miniatura delle opere della collezione, in modo che ogni alunno realizzi uno schizzo di un allestimento, supportato da un'idea guida.

Altri collaboratori continuano il lavoro con gli studenti. Il progetto si conclude con una mostra alla Botanique con le opere reali.

Storia dell'arte sperimentale (Lezione 30 settembre 2021)

Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles

Dipartimento CARE / Pratiche della mostra (sotto la direzione di Aurélie Gravelat)

La storia dell'arte, come scienza umana, è una disciplina che è stata e rimane in uno stato di crisi perpetua. Finora si trattava di conflitti tra singoli e scuole, o di un gioco al gatto e al topo tra artisti e storici dell'arte, ma ora ci sono nuovi attori che vogliono dire la loro: l'opinione pubblica, i media, le istituzioni. Questa povera storia dell'arte è quindi una sorta di eterna adolescente, che molte anime sembrano voler mettere sulla retta via. Ma ci mettiamo sufficientemente nei suoi panni? Comprendiamo il suo percorso, parliamo la sua lingua? Il corso propone di portarla fuori dall'aula di tribunale e in un teatro. Lì sarà spettatrice - per una volta - di una rappresentazione teatrale in cui interpreteremo a turno il suo ruolo. Si tratterà di riprendere singolarmente una grande domanda che l'ha sempre animata. Dobbiamo cercare, come lei, di rispondere. Senza paura di dire o fare la cosa sbagliata. Cercate candidamente di rispondere a una domanda importante in 20 minuti. La vostra risposta sarà molto personale, basata sulla vostra esperienza, sulla vostra concezione, sulla vostra percezione, sulla vostra immaginazione. Tuttavia, dovrete sviluppare le argomentazioni più solide, che potrete opportunamente sostenere ricorrendo alla storia dell'arte, a qualsiasi scienza esatta o umana, o all'analisi di una situazione passata o presente nel mondo dell'arte, della figura dell'artista, della natura dell'arte. Dipenderà dalla grande domanda che si estrae a caso e dal proprio approccio. Questo corso si svolgerà nell'arco di una giornata un po' frenetica, in cui verrà dato molto spazio alla parola e alle reazioni a questa parola. Il titolo di questa giornata è "Storia dell'arte sperimentale", perché ci avventureremo nell'esperienza della storia dell'arte, sotto gli occhi di chi è indubbiamente interessato e divertito.

Che cos'è l'ispirazione?

Brainstorm: da dove viene? È vergine, divina, sotto influenza? Viene al mattino, a mezzogiorno, alla sera, nella natura, nel bagno? Chi o cosa lo fa esplodere? Qual è il suo scopo? Cosa succede se non c'è? È una nozione operativa o abusata? Se non è operativo, cosa può sostituirlo per designare il fenomeno che copre? Che cos'è il genio? Brainstorm: il genio è singolare o comunemente condiviso? E se sì, in che modo, e se no, perché? Si è geniali sempre, in tutte le opere, o solo in alcune? È una nozione operativa o abusata? Qual è il rapporto tra genio e società? È il genio che designa se stesso o la società che designa i suoi geni? E se è la società a designarli, qual è la loro legittimità? E se sono loro stessi a designarsi, qual è la loro legittimità? Se la nozione di genio è ormai inoperante, che cosa può sostituirla per designare il fenomeno che copriva?

Che cos'è un movimento artistico?

Brainstorm: chi determina la natura di un movimento artistico e sulla base di quali criteri? La nozione di movimento artistico sembra adattabile alla realtà contemporanea della creazione? Se sì, quali movimenti identificherebbe? In caso contrario, quali movimenti identificherebbe? Se no, perché non dovremmo più pensare in termini di movimenti? Cosa fare con un movimento una volta emerso? Quali sono i limiti temporali e spaziali di un movimento? Un movimento artistico è omogeneo o eterogeneo? Un movimento finisce? Cosa ne pensa delle nozioni di post- e neo- (come neoprimitivismo, neogotico, postmoderno, ecc.)?

Che cos'è l'originalità?

Brainstorm: se esiste la nozione di originalità, quali sono i criteri per stabilire la normalità da cui si differenzia? In breve, qual è la norma, la convenzione? Da chi o da cosa è determinata questa convenzione? L'originalità può diventare una norma? Qual è il punto di rottura tra originalità e norma? Qual è l'atteggiamento della storia dell'arte nei confronti dell'originalità? Qual è l'atteggiamento della società nei confronti dell'originalità? Un artista può possedere un'originalità tutta sua o ha necessariamente un clone da qualche parte nel tempo o nel mondo? Il regime di originalità tollera altri registri simultanei di distinzione e/o declassamento?

Che cos'è la gloria artistica?

Brainstorming: cosa motiva il successo di un artista, o addirittura la sua fama, durante la sua vita o post mortem? L'artista lavora per la propria fama o sono altre persone a lavorare per essa? O sono entrambe le cose? E se si tratta di altre persone, chi sono e perché lo fanno? Che dire delle fondazioni di artisti che oggi fioriscono in tutto il mondo, il cui scopo è promuovere l'opera di un artista o perpetuarne la fama? La fama è fragile o eterna? Cosa fa sì che un'opera continui a essere celebrata attraverso gli anni e le civiltà? Perché alcuni artisti hanno successo e altri no? Perché alcuni artisti vengono celebrati durante la loro vita e poi dimenticati, e viceversa? Dove vanno gli artisti e dove sono quelli di cui non si parla più? Cosa fare con gli artisti anonimi?

Che cos'è un museo?

Brainstorming: che cos'è un museo oggi, a differenza di ieri? Come si posiziona una data società, una data città, un dato Paese, rispetto ai suoi musei? I musei sono al servizio di queste entità o sono indipendenti? Come può un museo stabilire la propria indipendenza da una delle entità sopra citate? È necessaria l'indipendenza di questa istituzione, il museo, dalle altre istituzioni che lo circondano e dalla società, o è auspicabile il contrario? Chi gestisce i musei? Chi decide l'allestimento della collezione permanente e delle mostre temporanee e sulla base di quali motivazioni? L'arte dovrebbe essere conservata, e se sì, perché, e se no, perché no? Come si conserva l'arte che non può essere conservata? Come si comporta con il fatto che c'è più spazio a disposizione per altre opere? Cosa succede se la quantità di opere prodotte supera la capacità di presentarle al pubblico? Il museo dovrebbe avere un servizio di mediazione, che suggerisce di fatto che l'arte non parla da sola al pubblico? 

Che cos'è un'opera?

Brainstorming: Quando un'opera è completata? Cosa determina il perimetro di un'opera? Un'opera ha dei limiti? E se ci sono dei limiti, cosa c'è al di là di essi? Qual è il rapporto tra il lavoro di un giorno e il lavoro di una vita? L'opera è interamente in ciò che mostra o vale come estratto di un insieme più ampio? Che cos'è un capolavoro, un'opera prima, un'opera fallita, un'opera incompiuta?

Che cos'è un artista?

Brainstorming: Il mondo si divide in artisti e non artisti? Quali sono i criteri per definire una persona come artista o meno? Se sei un artista, lo rimani per tutta la vita? Un bambino è un artista quando un adulto non lo è? Un adulto è un artista quando un bambino non può ancora esserlo? È possibile designare un artista in un campo a priori non artistico, come quello dell'idraulica? Tutti sono artisti, ma solo gli artisti lo sanno? Esiste ancora una corporazione di artisti oggi? Per essere designato come tale, l'artista deve essere membro di questa corporazione o deve essere estraneo a qualsiasi scuola o dottrina? L'artista deve esprimersi sul suo lavoro o deve rimanere in silenzio? Il silenzio di Marcel Duchamp è sopravvalutato? Un artista che non ha mai prodotto opere o che non ne produce più può essere definito tale? Se pensa che il concetto di artista sia abusato, con cosa lo sostituirebbe?

Che cos'è l'art brut?

Brainstorming: Cosa distingue l'outsider art dall'arte contemporanea (accademica)? È possibile essere crudi in alcuni periodi e studiosi in altri? Crudo durante l'infanzia, per esempio, e poi studioso quando è più grande? Qual è la minaccia che l'outsider art rappresenta per l'arte accademica? Di cosa diffida l'arte colta quando si tratta di outsider art? Può l'arte accademica, che si avvicina intenzionalmente all'outsider art, riuscire ad essere outsider? Questa categorizzazione tra outsider art e belle arti è ancora utile e illuminante o dovrebbe essere rivista? E se sì, da cosa? E se non lo è, perché e come può essere ulteriormente rafforzato? Se l'outsider art esiste, da dove viene questa forza grezza che la anima?

Che cos'è l'arte?

Brainstorming: L'arte è fatta dallo spettatore o dal creatore? L'arte risiede solo nelle opere d'arte o si trova anche altrove? E se è altrove, dove si trova? È necessario distinguere l'arte dal resto del mondo? Chi ha interesse a distinguere l'arte dal resto del mondo? L'arte è un linguaggio, un linguaggio codificato e oscuro, un linguaggio universale? Chi parla questa lingua e chi no? Com'è possibile che si presenti a noi in codice, se è proprio nella sua natura essere codificato? Cosa non è arte? Se siamo sicuri che c'è arte in questo oggetto o in questa situazione, ci sarà ancora il giorno dopo? L'arte è una cosa materiale o immateriale? Stabile o mobile, volatile? Chi si occupa di designare l'arte oggi? Se nessuno è responsabile, da dove viene? È necessario distinguere la buona arte dalla cattiva arte e, se sì, perché e come?

L'arte può essere insegnata?

Brainstorming: l'arte è una questione di solitudine o di comunità, o di entrambe? Cosa si impara alla scuola d'arte? Come organizzerebbe gli studi d'arte oggi? Esiste un modello di scuola d'arte che ha funzionato in passato? Quale? Come era organizzato in termini di spazio, tempo e gerarchia? Cosa sono uno studente d'arte e un insegnante d'arte? Cosa li distingue? Cosa giustifica o invalida il loro diverso status? Se l'arte è qualcosa che si insegna, questo presupporrebbe l'esistenza di una conoscenza stabile che può essere trasmessa, qual è questa conoscenza stabile dell'arte? Se, invece, non esiste una conoscenza stabile, come si può insegnare una conoscenza non stabile, ammesso che esista? Come si insegna l'arte ai bambini? O i bambini ci insegnano l'arte? Cosa succederebbe se non ci fossero più scuole d'arte? L'arte ne soffrirebbe? La scuola d'arte dovrebbe avere un nuovo nome? Come dovrebbe chiamarsi? Quanto deve durare una formazione artistica? A che punto sappiamo che non siamo più studenti d'arte?

Che cos'è il progresso artistico?

Brainstorming: L'arte avanza in un regime di progresso? Se esiste un regime di progresso, come dobbiamo considerare l'arte del passato? Come arte primitiva, annunciando future forme d'arte avanzate? Esiste ancora un'avanguardia? Cosa determina l'avanguardia? Chi lo stabilisce? Cosa spinge l'avanguardia? Se non c'è più alcun progresso nell'arte, dobbiamo ritenere che l'arte stia vegetando, o addirittura degradando, decadendo? L'arte vive periodi di crescita e di declino e, se sì, perché? A che velocità progredisce l'arte, in base a quali stimoli? Quando, invece, ristagna? L'arte può regredire? Il progresso nell'arte è contemporaneo al progresso in altri campi dell'attività umana? Il progresso è legato alla tecnologia? La richiesta di progresso è sana o tirannica?

L'arte è utile/inutile?

Brainstorming : l'arte è utile? In che modo è utile all'individuo e alla società? Se è inutile, perché dedicarsi ad essa? Perché e per chi si manifesta? Dobbiamo includere intenzionalmente una dimensione utilitaristica in una creazione artistica, o questa dimensione si dispiega da sola all'interno dell'opera? Dobbiamo includere intenzionalmente una dimensione inutile in una creazione artistica, o questa dimensione si dispiega da sola all'interno dell'opera? Cosa ci assicura dell'inutilità dell'arte: come possiamo stabilire un'inutilità inconfutabile? Cosa ci assicura dell'utilità dell'arte: come stabilire un'utilità inconfutabile? In quale momento, da un punto di vista personale, l'arte si è rivelata utile per lei? Se l'arte è utile, possiamo stabilire una sorta di quadro funzionale che ne riveli la portata? Ci sono opportunità commerciali?

Qual è il valore dell'arte?

Brainstorm: L'arte vale soldi? Il denaro è un buon modo per monetizzare l'arte? L'arte può essere misurata in base al suo valore monetario? Qual è il valore di un'opera d'arte che valeva molto subito e che vale ancora molto? Qual è il valore di un'arte che non aveva valore e che ora è molto costosa? Qual è il valore di un'arte che ieri non valeva nulla e che oggi non vale più? Possiamo aspettarci che domani valga qualcosa? Se questa o quella arte si eclissa dal regime del valore monetario, in quale regime, in quale universo si evolve? Qual è il ruolo di una galleria d'arte oggi? Come dovrebbe posizionarsi una galleria d'arte rispetto alla storia dell'arte, agli artisti e alle loro carriere? È il museo, il mercato dell'arte o entrambi, o anche altri attori, a determinare la posizione che gli artisti devono occupare nella scala dei valori dell'arte, e quindi nella storia dell'arte? Se il valore dell'arte non è monetario, qual è il suo valore, se c'è? Come dovrebbe porsi la storia dell'arte nei confronti del mercato dell'arte, da un punto di vista etico?

Qual è il mistero dell'arte?

Brainstorm: stiamo nascondendo qualcosa? La nostra creazione ci nasconde qualcosa? Cosa scopriamo quando creiamo? Possiamo scoprire nell'opera di un artista cose che l'artista stesso non ha visto? L'arte risiede solo nelle intenzioni dell'artista o va oltre? L'arte è il prodotto di un inconscio, di un'influenza divina? Come dovrebbe posizionarsi la storia dell'arte rispetto al mistero dell'arte? Si deve lasciare una parte intenzionale di mistero all'arte, per preservare il desiderio che possiamo avere per essa, o per lasciare parti incolte del campo che saranno sondate da nuovi strumenti in futuro?