Several Persons

Esuberanza (laboratorio dal 4 al 8 ottobre 2022)

Accademia di Belle Arti, Bruxelles

Ci dicono: Brussels Drawing Week, la settimana del disegno, proprio in questa città, all'inizio di ottobre 2022. Ci dicono che ovunque ci sono eventi che onorano questo mezzo in tutte le sue varianti. Per questo l'Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles dice: fatevi coinvolgere! È il festival del disegno: sarà questa settimana, non la settimana prima, non la settimana dopo: questa settimana. Prima sarà troppo presto. Dopo, sarà troppo tardi. Questa sarà la sua finestra di lancio, la sua finestra di tiro! Diamo una festa! La carta, il primo di tutti i supporti colpevoli: non perde nulla nell'attesa. Lo copriremo con segni intelligibili e non intelligibili. Lo coloriamo e lo coloriamo. Lo scolpiremo. Lo metteremo via, per poi disturbarlo di nuovo. Noi lo fotograferemo e lui ci fotograferà. Ci sconvolgerà. Ci sorprenderà. Lo prenderemo a pugni. Lo bucheremo. Vi faremo dei buchi rotondi e dei buchi quadrati, punteggiati da commenti rettangolari. Lo curiamo, lo coccoliamo, lo sporchiamo e poi, magnanimamente, lo puliamo. Verrà tagliato. Vi progetteremo edifici e panchine: ci torneremo. Lo accartocceremo, lo stamperemo. Lo litograferemo. Verrà steso e piegato. Può essere tessuta e serigrafata. Lo nasconderemo, lo sigilleremo, lo compreremo anche (ahimè). Lo venderemo (si spera). Lo ripareremo dalla luce del sole. Lo esporremo al bagliore di Saturno. Realizzeremo carte di caramelle, banconote, aeroplani. Lo incolleremo. Lo firmeremo. Lo scriveremo, lo definiremo. Ci divertiremo. Esageriamo. Ne faremo tonnellate e tonnellate. Per quanto riguarda il cartone, il legno, il tessuto, tutto ciò che accoglie la traccia e l'azione? Non fatemi già rivelare il frutto della vostra immaginazione!

 

Bota feat. Bracops (Laboratori da gennaio a maggio 2022)

Athénée Joseph Bracops, Bruxelles

Sotto la direzione di Mathilde Manche, Grégory Thirion, Ophélie Martinage

Le Botanique di Bruxelles è un centro d'arte che ospita mostre temporanee. Anche se non è un museo, possiede una piccola collezione di opere donate da artisti che hanno esposto qui nel corso degli anni. 

Nel 2022, è stato espresso il desiderio di realizzare un progetto su questa collezione con una classe di studenti della scuola secondaria dell'Athénée Joseph Bracops di Anderlecht. 

Sotto la direzione di Mathilde Manche e Grégory Thirion, è stato avviato un progetto di iniziazione all'arte contemporanea e la creazione di una mostra con opere della collezione Botanique.

Dalla fine dell'inverno all'inizio della primavera, vengono offerti vari laboratori. 

Il primo workshop si concentra sul ritratto. Le istruzioni vengono distribuite agli studenti in modo casuale. Si chiede loro di disegnare un certo tipo di ritratto. Ad esempio: "Disegna un autoritratto quando non sarai più in vita".

Il secondo workshop si concentra sulla rappresentazione dello spazio. Si incrociano casualmente due tipi di istruzioni, uno spazio e un modo di rappresentarlo: "una mappa di una città lacustre / solo con titoli ritagliati dai giornali".

Il terzo workshop è dedicato all'idea di classificazione. A ogni studente viene consegnato un foglio identico. Le istruzioni vengono mostrate su uno schermo e ognuno fa un disegno simile, individuando con discrezione i capricci di ogni personalità. 

Il quarto workshop è un'opportunità per provare il video. Si incrocia un genere cinematografico (per esempio un thriller) con una trama (per esempio l'ultimo giorno di saldi) e da lì si tesse un'improvvisazione. Ogni squadra realizza un filmato di pochi minuti. 

Il quinto workshop si concentra sulle opere della collezione Botanique. Un questionario stravagante viene distribuito a ogni studente, al quale viene assegnato un lavoro. Le risposte scritte o disegnate vengono riportate sul questionario, diventando di fatto una nota esplicativa dell'opera. 

Il sesto laboratorio mette gli studenti nei panni del curatore della mostra. Vengono distribuite riproduzioni in miniatura delle opere della collezione, in modo che ogni alunno realizzi uno schizzo di un allestimento, supportato da un'idea guida.

Altri collaboratori continuano il lavoro con gli studenti. Il progetto si conclude con una mostra alla Botanique con le opere reali.

Storia dell'arte sperimentale (Lezione 30 settembre 2021)

Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles

Dipartimento CARE / Pratiche della mostra (sotto la direzione di Aurélie Gravelat)

La storia dell'arte, come scienza umana, è una disciplina che è stata e rimane in uno stato di crisi perpetua. Finora si trattava di conflitti tra singoli e scuole, o di un gioco al gatto e al topo tra artisti e storici dell'arte, ma ora ci sono nuovi attori che vogliono dire la loro: l'opinione pubblica, i media, le istituzioni. Questa povera storia dell'arte è quindi una sorta di eterna adolescente, che molte anime sembrano voler mettere sulla retta via. Ma ci mettiamo sufficientemente nei suoi panni? Comprendiamo il suo percorso, parliamo la sua lingua? Il corso propone di portarla fuori dall'aula di tribunale e in un teatro. Lì sarà spettatrice - per una volta - di una rappresentazione teatrale in cui interpreteremo a turno il suo ruolo. Si tratterà di riprendere singolarmente una grande domanda che l'ha sempre animata. Dobbiamo cercare, come lei, di rispondere. Senza paura di dire o fare la cosa sbagliata. Cercate candidamente di rispondere a una domanda importante in 20 minuti. La vostra risposta sarà molto personale, basata sulla vostra esperienza, sulla vostra concezione, sulla vostra percezione, sulla vostra immaginazione. Tuttavia, dovrete sviluppare le argomentazioni più solide, che potrete opportunamente sostenere ricorrendo alla storia dell'arte, a qualsiasi scienza esatta o umana, o all'analisi di una situazione passata o presente nel mondo dell'arte, della figura dell'artista, della natura dell'arte. Dipenderà dalla grande domanda che si estrae a caso e dal proprio approccio. Questo corso si svolgerà nell'arco di una giornata un po' frenetica, in cui verrà dato molto spazio alla parola e alle reazioni a questa parola. Il titolo di questa giornata è "Storia dell'arte sperimentale", perché ci avventureremo nell'esperienza della storia dell'arte, sotto gli occhi di chi è indubbiamente interessato e divertito.

Che cos'è l'ispirazione?

Brainstorm: da dove viene? È vergine, divina, sotto influenza? Viene al mattino, a mezzogiorno, alla sera, nella natura, nel bagno? Chi o cosa lo fa esplodere? Qual è il suo scopo? Cosa succede se non c'è? È una nozione operativa o abusata? Se non è operativo, cosa può sostituirlo per designare il fenomeno che copre? Che cos'è il genio? Brainstorm: il genio è singolare o comunemente condiviso? E se sì, in che modo, e se no, perché? Si è geniali sempre, in tutte le opere, o solo in alcune? È una nozione operativa o abusata? Qual è il rapporto tra genio e società? È il genio che designa se stesso o la società che designa i suoi geni? E se è la società a designarli, qual è la loro legittimità? E se sono loro stessi a designarsi, qual è la loro legittimità? Se la nozione di genio è ormai inoperante, che cosa può sostituirla per designare il fenomeno che copriva?

Che cos'è un movimento artistico?

Brainstorm: chi determina la natura di un movimento artistico e sulla base di quali criteri? La nozione di movimento artistico sembra adattabile alla realtà contemporanea della creazione? Se sì, quali movimenti identificherebbe? In caso contrario, quali movimenti identificherebbe? Se no, perché non dovremmo più pensare in termini di movimenti? Cosa fare con un movimento una volta emerso? Quali sono i limiti temporali e spaziali di un movimento? Un movimento artistico è omogeneo o eterogeneo? Un movimento finisce? Cosa ne pensa delle nozioni di post- e neo- (come neoprimitivismo, neogotico, postmoderno, ecc.)?

Che cos'è l'originalità?

Brainstorm: se esiste la nozione di originalità, quali sono i criteri per stabilire la normalità da cui si differenzia? In breve, qual è la norma, la convenzione? Da chi o da cosa è determinata questa convenzione? L'originalità può diventare una norma? Qual è il punto di rottura tra originalità e norma? Qual è l'atteggiamento della storia dell'arte nei confronti dell'originalità? Qual è l'atteggiamento della società nei confronti dell'originalità? Un artista può possedere un'originalità tutta sua o ha necessariamente un clone da qualche parte nel tempo o nel mondo? Il regime di originalità tollera altri registri simultanei di distinzione e/o declassamento?

Che cos'è la gloria artistica?

Brainstorming: cosa motiva il successo di un artista, o addirittura la sua fama, durante la sua vita o post mortem? L'artista lavora per la propria fama o sono altre persone a lavorare per essa? O sono entrambe le cose? E se si tratta di altre persone, chi sono e perché lo fanno? Che dire delle fondazioni di artisti che oggi fioriscono in tutto il mondo, il cui scopo è promuovere l'opera di un artista o perpetuarne la fama? La fama è fragile o eterna? Cosa fa sì che un'opera continui a essere celebrata attraverso gli anni e le civiltà? Perché alcuni artisti hanno successo e altri no? Perché alcuni artisti vengono celebrati durante la loro vita e poi dimenticati, e viceversa? Dove vanno gli artisti e dove sono quelli di cui non si parla più? Cosa fare con gli artisti anonimi?

Che cos'è un museo?

Brainstorming: che cos'è un museo oggi, a differenza di ieri? Come si posiziona una data società, una data città, un dato Paese, rispetto ai suoi musei? I musei sono al servizio di queste entità o sono indipendenti? Come può un museo stabilire la propria indipendenza da una delle entità sopra citate? È necessaria l'indipendenza di questa istituzione, il museo, dalle altre istituzioni che lo circondano e dalla società, o è auspicabile il contrario? Chi gestisce i musei? Chi decide l'allestimento della collezione permanente e delle mostre temporanee e sulla base di quali motivazioni? L'arte dovrebbe essere conservata, e se sì, perché, e se no, perché no? Come si conserva l'arte che non può essere conservata? Come si comporta con il fatto che c'è più spazio a disposizione per altre opere? Cosa succede se la quantità di opere prodotte supera la capacità di presentarle al pubblico? Il museo dovrebbe avere un servizio di mediazione, che suggerisce di fatto che l'arte non parla da sola al pubblico? 

Che cos'è un'opera?

Brainstorming: Quando un'opera è completata? Cosa determina il perimetro di un'opera? Un'opera ha dei limiti? E se ci sono dei limiti, cosa c'è al di là di essi? Qual è il rapporto tra il lavoro di un giorno e il lavoro di una vita? L'opera è interamente in ciò che mostra o vale come estratto di un insieme più ampio? Che cos'è un capolavoro, un'opera prima, un'opera fallita, un'opera incompiuta?

Che cos'è un artista?

Brainstorming: Il mondo si divide in artisti e non artisti? Quali sono i criteri per definire una persona come artista o meno? Se sei un artista, lo rimani per tutta la vita? Un bambino è un artista quando un adulto non lo è? Un adulto è un artista quando un bambino non può ancora esserlo? È possibile designare un artista in un campo a priori non artistico, come quello dell'idraulica? Tutti sono artisti, ma solo gli artisti lo sanno? Esiste ancora una corporazione di artisti oggi? Per essere designato come tale, l'artista deve essere membro di questa corporazione o deve essere estraneo a qualsiasi scuola o dottrina? L'artista deve esprimersi sul suo lavoro o deve rimanere in silenzio? Il silenzio di Marcel Duchamp è sopravvalutato? Un artista che non ha mai prodotto opere o che non ne produce più può essere definito tale? Se pensa che il concetto di artista sia abusato, con cosa lo sostituirebbe?

Che cos'è l'art brut?

Brainstorming: Cosa distingue l'outsider art dall'arte contemporanea (accademica)? È possibile essere crudi in alcuni periodi e studiosi in altri? Crudo durante l'infanzia, per esempio, e poi studioso quando è più grande? Qual è la minaccia che l'outsider art rappresenta per l'arte accademica? Di cosa diffida l'arte colta quando si tratta di outsider art? Può l'arte accademica, che si avvicina intenzionalmente all'outsider art, riuscire ad essere outsider? Questa categorizzazione tra outsider art e belle arti è ancora utile e illuminante o dovrebbe essere rivista? E se sì, da cosa? E se non lo è, perché e come può essere ulteriormente rafforzato? Se l'outsider art esiste, da dove viene questa forza grezza che la anima?

Che cos'è l'arte?

Brainstorming: L'arte è fatta dallo spettatore o dal creatore? L'arte risiede solo nelle opere d'arte o si trova anche altrove? E se è altrove, dove si trova? È necessario distinguere l'arte dal resto del mondo? Chi ha interesse a distinguere l'arte dal resto del mondo? L'arte è un linguaggio, un linguaggio codificato e oscuro, un linguaggio universale? Chi parla questa lingua e chi no? Com'è possibile che si presenti a noi in codice, se è proprio nella sua natura essere codificato? Cosa non è arte? Se siamo sicuri che c'è arte in questo oggetto o in questa situazione, ci sarà ancora il giorno dopo? L'arte è una cosa materiale o immateriale? Stabile o mobile, volatile? Chi si occupa di designare l'arte oggi? Se nessuno è responsabile, da dove viene? È necessario distinguere la buona arte dalla cattiva arte e, se sì, perché e come?

L'arte può essere insegnata?

Brainstorming: l'arte è una questione di solitudine o di comunità, o di entrambe? Cosa si impara alla scuola d'arte? Come organizzerebbe gli studi d'arte oggi? Esiste un modello di scuola d'arte che ha funzionato in passato? Quale? Come era organizzato in termini di spazio, tempo e gerarchia? Cosa sono uno studente d'arte e un insegnante d'arte? Cosa li distingue? Cosa giustifica o invalida il loro diverso status? Se l'arte è qualcosa che si insegna, questo presupporrebbe l'esistenza di una conoscenza stabile che può essere trasmessa, qual è questa conoscenza stabile dell'arte? Se, invece, non esiste una conoscenza stabile, come si può insegnare una conoscenza non stabile, ammesso che esista? Come si insegna l'arte ai bambini? O i bambini ci insegnano l'arte? Cosa succederebbe se non ci fossero più scuole d'arte? L'arte ne soffrirebbe? La scuola d'arte dovrebbe avere un nuovo nome? Come dovrebbe chiamarsi? Quanto deve durare una formazione artistica? A che punto sappiamo che non siamo più studenti d'arte?

Che cos'è il progresso artistico?

Brainstorming: L'arte avanza in un regime di progresso? Se esiste un regime di progresso, come dobbiamo considerare l'arte del passato? Come arte primitiva, annunciando future forme d'arte avanzate? Esiste ancora un'avanguardia? Cosa determina l'avanguardia? Chi lo stabilisce? Cosa spinge l'avanguardia? Se non c'è più alcun progresso nell'arte, dobbiamo ritenere che l'arte stia vegetando, o addirittura degradando, decadendo? L'arte vive periodi di crescita e di declino e, se sì, perché? A che velocità progredisce l'arte, in base a quali stimoli? Quando, invece, ristagna? L'arte può regredire? Il progresso nell'arte è contemporaneo al progresso in altri campi dell'attività umana? Il progresso è legato alla tecnologia? La richiesta di progresso è sana o tirannica?

L'arte è utile/inutile?

Brainstorming : l'arte è utile? In che modo è utile all'individuo e alla società? Se è inutile, perché dedicarsi ad essa? Perché e per chi si manifesta? Dobbiamo includere intenzionalmente una dimensione utilitaristica in una creazione artistica, o questa dimensione si dispiega da sola all'interno dell'opera? Dobbiamo includere intenzionalmente una dimensione inutile in una creazione artistica, o questa dimensione si dispiega da sola all'interno dell'opera? Cosa ci assicura dell'inutilità dell'arte: come possiamo stabilire un'inutilità inconfutabile? Cosa ci assicura dell'utilità dell'arte: come stabilire un'utilità inconfutabile? In quale momento, da un punto di vista personale, l'arte si è rivelata utile per lei? Se l'arte è utile, possiamo stabilire una sorta di quadro funzionale che ne riveli la portata? Ci sono opportunità commerciali?

Qual è il valore dell'arte?

Brainstorm: L'arte vale soldi? Il denaro è un buon modo per monetizzare l'arte? L'arte può essere misurata in base al suo valore monetario? Qual è il valore di un'opera d'arte che valeva molto subito e che vale ancora molto? Qual è il valore di un'arte che non aveva valore e che ora è molto costosa? Qual è il valore di un'arte che ieri non valeva nulla e che oggi non vale più? Possiamo aspettarci che domani valga qualcosa? Se questa o quella arte si eclissa dal regime del valore monetario, in quale regime, in quale universo si evolve? Qual è il ruolo di una galleria d'arte oggi? Come dovrebbe posizionarsi una galleria d'arte rispetto alla storia dell'arte, agli artisti e alle loro carriere? È il museo, il mercato dell'arte o entrambi, o anche altri attori, a determinare la posizione che gli artisti devono occupare nella scala dei valori dell'arte, e quindi nella storia dell'arte? Se il valore dell'arte non è monetario, qual è il suo valore, se c'è? Come dovrebbe porsi la storia dell'arte nei confronti del mercato dell'arte, da un punto di vista etico?

Qual è il mistero dell'arte?

Brainstorm: stiamo nascondendo qualcosa? La nostra creazione ci nasconde qualcosa? Cosa scopriamo quando creiamo? Possiamo scoprire nell'opera di un artista cose che l'artista stesso non ha visto? L'arte risiede solo nelle intenzioni dell'artista o va oltre? L'arte è il prodotto di un inconscio, di un'influenza divina? Come dovrebbe posizionarsi la storia dell'arte rispetto al mistero dell'arte? Si deve lasciare una parte intenzionale di mistero all'arte, per preservare il desiderio che possiamo avere per essa, o per lasciare parti incolte del campo che saranno sondate da nuovi strumenti in futuro?

Spazio e Copia (Lezione di ottobre 2020 a gennaio 2021)

Accademia di Belle Arti di Mons, Belgio

Studio Ricerca Spaziale

Con la partecipazione di Djos Janssens

Scegliete uno spazio reale e, spostando i mobili e/o aggiungendo oggetti di scena o arredi trovati sul posto o nelle vicinanze, nonché cambiando eventualmente le luci, create uno spazio che evochi l'atmosfera delle opere di uno dei tre artisti a vostra scelta: Vincent Van Gogh, Piet Mondrian, Louise Bourgeois.

Realizzare l'opera che Georgia O'Keefe avrebbe realizzato al posto di Bruce Nauman. Creare il pastiche che avrebbe fatto, con la firma sua e di Bruce Nauman.

Assegnate un colore a ogni aula accessibile o a ogni stanza della vostra casa che potrebbe essere accessibile. Spiegate perché assegnate un particolare colore a una determinata stanza.

Realizzare un'opera d'arte. Poi, riproducete l'opera tante volte quante sono le stanze accessibili della vostra scuola o della vostra casa, cambiando ogni volta un po' la variazione rispetto all'opera originale, influenzata dalla stanza in cui è esposta la variazione.

Determinate il colore dominante degli ambienti accessibili della vostra casa o della vostra classe facendo una tabella dei colori presenti, per oggetto e/o superficie, e da questa deducete il colore dominante nel modo più razionale possibile.

Fate una mappa dell'umore di ogni stanza a vostra disposizione, sia a scuola che a casa. Scattate delle foto di ogni stanza e allegate una descrizione scritta dell'atmosfera, dell'emozione che emana da ogni stanza, cercando di essere più oggettivi che soggettivi.

Fate un elenco degli spazi a vostra disposizione a casa o a scuola. Aprite due cartelle sul vostro computer, intitolate: Oggettivo / Soggettivo. Nella cartella Obiettivi, raccogliere foto e descrizioni scritte di questi spazi che siano il più possibile oggettive. Nella cartella Soggettiva, raccogliere foto e descrizioni scritte di tali spazi che siano il più possibile soggettive.

Realizzare un'opera che Alicja Kwade e Haegue Yang creerebbero se lavorassero insieme con un unico nome d'artista.

Realizzare un'opera che Yoko Ono e Marina Abramovic avrebbero creato se avessero lavorato insieme con un unico nome d'artista.

Realizzare un pastiche di un'opera di Camille Henrot a cui manca qualcosa.

Raccogliete dieci oggetti che trovate a scuola o a casa vostra. Date loro un titolo e un'attribuzione: attribuiteli così come sono (senza modificarli) ad artisti del XX o XXI secolo, come se fossero creazioni autentiche.

Scrivete un piccolo opuscolo di 6 pagine per i visitatori che spieghi la mostra in corso in una delle stanze della vostra casa o scuola, anche se non c'è nessuna mostra nella stanza che avete scelto. Fate finta che ce ne sia uno, immaginatelo e raccontatelo a un visitatore.

Scrivete una frase per un esercizio a vostra scelta che coinvolga le nozioni di spazio e copia. Chiedete a due compagni di classe di svolgere l'esercizio in modo indipendente e di sottoporvi i risultati per presentarli ai vostri insegnanti.

Realizzate una Box-in-a-Suitcase alla Duchamp: una copia in miniatura di tutte le opere importanti che avete realizzato, trasportabile in un piccolo contenitore (delle dimensioni massime di una valigia).

Creare uno spazio come una bambola russa: uno spazio, in uno spazio, in uno spazio, in uno spazio, in uno spazio...

Scrivete su frammenti di carta parole (non frasi) che descrivano gli elementi visibili di una stanza a vostra scelta, a casa o a scuola. Incollate questi pezzi di carta agli oggetti che state descrivendo, come se steste identificando ogni cosa. Siate il più precisi possibile. Poi fotografate la stanza "nominata" in dettaglio.

Scrivete su frammenti di carta parole (non frasi) che descrivano gli elementi invisibili di una stanza a vostra scelta, a casa o a scuola. Attaccate questi pezzi di carta in giro per la stanza, dove ritenete più opportuno identificare e localizzare gli elementi invisibili che avete individuato. Siate il più precisi possibile. Poi fotografate la stanza "nominata" con i frammenti di carta incollati in dettaglio.

Fate un elenco dei materiali coinvolti in ogni oggetto e superficie di una stanza a vostra scelta. Scrivete le tecniche utilizzate per ottenere e trasformare i materiali. Indicate anche l'origine di questi materiali, secondo la vostra interpretazione, se non avete informazioni visibili su di essi.

Prendiamo un giornale recente. Ritagliare tutte le immagini che rappresentano gli spazi. Scrivete una didascalia sotto l'immagine, spiegando quale spazio è rappresentato nell'immagine.

Prendiamo un giornale recente. Ritagliare tutte le immagini che rappresentano spazi, escludendoli dall'immagine tagliando o cancellando le figure presenti.

Prendiamo un giornale recente. Ritagliare tutte le immagini possibili. Classificate queste immagini secondo le nomenclature che voi stessi definite.

Se l'artista Matthew Barney fosse un architetto e un urbanista, quale città costruirebbe? Fate uno schizzo della pianta della città e raccogliete immagini (diverse da quelle dell'opera dell'artista) per creare un panorama visivo della vostra proposta.

Trasformare uno spazio aperto in uno spazio chiuso.

Trasformare uno spazio chiuso in uno spazio aperto.

Rendere illogico uno spazio logico.

Rendere divertente un luogo triste.

Trasformate uno spazio della vostra casa o della vostra scuola in un luogo per il funerale.

Ripensate l'ergonomia di una stanza della vostra casa o della vostra scuola, spostando oggetti e mobili per renderla più pratica, più facile da raggiungere, più facile da navigare.

Scegliete due spazi nella vostra scuola o nella vostra casa: trasformatene uno in uno spazio massimalista, l'altro in uno spazio minimalista.

Trasformate uno spazio della vostra casa o della vostra scuola in uno spazio dal carattere africano, secondo un Paese africano a vostra scelta (trasformatelo impegnandovi nell'arte di disporre oggetti e mobili secondo l'estetica di una cultura africana scelta da voi). Poi fate lo stesso, nello stesso spazio, colorando il layout con un'arte del design più caratteristica di una cultura asiatica a vostra scelta.

Leggete la biografia di Paul Gauguin su Internet e raccogliete immagini dei luoghi in cui ha vissuto. Quindi selezionare per ogni immagine di un luogo un'altra immagine che mostri un luogo contemporaneo corrispondente, come se Gauguin fosse vissuto nel nostro tempo.

L'esercizio dello schema (Lezione del 13 dicembre 2019)

Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles

Storia dell'arte generale

Volevo proporre un esercizio che ruotasse intorno ai miti fondanti della storia dell'arte. Può sembrare un po' ingenuo, ma come dicevano John Cage e Sister Corita Kent: "Considerate tutto come un esperimento". Sono quindi curioso di vedere quale potrebbe essere la vostra reazione a questo esercizio. Mi piacerebbe sentire anche il vostro punto di vista, basato sulla vostra esperienza di creatori, che vale quanto la mia.

 Le istruzioni sarebbero le seguenti: vorrei che disegnaste un diagramma che rappresenti ciò che potrebbe essere l'atto creativo e una disciplina della storia dell'arte che lo rifletta, (ri)modellata secondo le vostre convinzioni/intuizioni. Come si potrebbe progettare e articolare questo aspetto? Mi piacerebbe vedere il vostro pensiero strutturato. Vi chiedo di costruire una sorta di cosmogonia della creazione. 

Si procederà per gruppi: ogni gruppo discuterà per un po' di tempo su come si può redigere un diagramma, sia passando per una fase di schizzo individuale, incrociata da una messa in comune di opinioni, sia passando direttamente per il dibattito collettivo, tendendo a raggiungere un consenso sul modo di realizzare il diagramma.

Ogni gruppo verrà poi a presentare brevemente il proprio disegno alla classe. Ci si aspetta un supporto orale per il diagramma: spiegarlo agli altri e fornire tutte le informazioni che contiene. Non pensate che sia necessario essere esperti per intraprendere questo vasto ritratto dell'atto creativo. Al contrario, mi rivolgo a voi che avete un'esperienza creativa già in corso. Sentitevi liberi di basarvi sulla vostra percezione personale, che cercherete di estrapolare.

Disegnare questo schema di una nuova storia dell'arte (o in altre parole, uno schema dell'atto creativo, nel tempo e nello spazio) suggerisce di fare una dichiarazione sulle seguenti nozioni:

Arte

Lavoro

Artista

Coscienza/incoscienza

Tempo

La storia

Spazio

Movimento artistico

Moda

Successo, fama

Contesti di ricezione

Medio, disciplina

Tecnica

Il talento

Genio

Ispirazione

Influenze

Biografia

Copia, plagio

Una volta che lo schema è pronto e le idee sono chiare, il gruppo dovrebbe essere in grado di rispondere alle seguenti domande, anche se sembrano ingenue (questo esercizio consiste nell'avere l'audacia di tornare alla radice di queste domande, per vedere quale pianta, quale albero emergerebbe, con tutte le sue ramificazioni, sottigliezze, leggi).

Dovete quindi immaginare che il vostro gruppo si trovi ad affrontare le seguenti domande, alle quali dovrete rispondere per difendere le vostre ipotesi schematizzate:

Che cos'è l'arte? Cosa non è arte?

Che cos'è un'opera? Che cos'è un'opera finita? Incompiuto? Completato, incompiuto? Un successo? Fallito?

Che cos'è un artista?

Che cos'è il talento? L'assenza di talento?

Il lavoro di un artista è plasmato dal luogo in cui vive?

L'opera di un artista è plasmata dalla vita che conduce? Da cosa dipende la loro sorte? Dal contesto familiare da cui proviene?

Che cos'è l'ispirazione? Da dove viene l'ispirazione? Quando si verifica?

Qual è il rapporto tra arte e sofferenza? Arte e religione? Arte e politica? L'arte è il mezzo di espressione della sofferenza, della religione, della politica?

Qual è il rapporto tra arte e piacere?

Che cos'è il genio? Che cos'è l'influenza?

L'arte è un linguaggio universale? Se sì, come possiamo descrivere il funzionamento di questa universalità?

È possibile copiare l'arte?

L'arte funziona secondo il principio dell'originalità?

L'arte è soggetta a un codice morale? 

Che cos'è l'avanguardia? Che cos'è l'avanguardia, chi è l'avanguardia?

Che cos'è la moda?

Che ruolo ha l'artista nella società? Nella società occidentale? In Oriente?

Chi è un artista e chi no?

Che cos'è un movimento artistico? Un movimento artistico ha un limite nel tempo? Nello spazio? Tutti gli artisti sono singolari o sono legati in qualche modo, e quali sono?

Che cos'è la storia? La storia dell'arte? Chi scrive la storia? Storia dell'arte? La storia dell'arte segue la storia dell'umanità?  

La storia dell'arte è giusta (equa, etica, democratica - come definire questa "equità"...)? Se è ingiusta, come può essere resa giusta? La storia dell'arte dovrebbe selezionare/valorizzare alcuni artisti più di altri? Funziona? Secondo quali criteri? Alcune opere sono migliori di altre? Se sì, in che modo sono migliori?

Che cos'è un capolavoro? Che cos'è un'opera minore, un'opera prima?

Il contesto di ricezione determina l'arte? La natura è un artista? L'unico artista? Il tempo è l'artista? Lo spazio è l'artista?

Il quadro lo fa l'artista o lo spettatore?

I principi della collaborazione (Lezioni da novembre a dicembre 2019)

Accademia Reale di Belle Arti di Bruxelles

Seminario Let Love Rule

In collaborazione con Lola Martins-Coignus, Loraine Furter, Florence Cheval, Aurélie Gravelat

Tempo 1: si chiede agli studenti di scrivere il maggior numero possibile di principi di collaborazione (possono essere anche principi "immorali", come si trovano nel mondo del lavoro, o anche principi assurdi e poetici). Alcuni principi di collaborazione come esempio: Uno è la mano, l'altro è la mente / Uno fa il cosiddetto lavoro manuale, l'altro il cosiddetto lavoro intellettuale / Uno dà un'idea di base, il secondo se ne appropria e poi la restituisce al primo, che la modifica di nuovo / Uno lancia un'idea, poi tutti gli altri (o l'altro) determinano i limiti che circondano la sua attuazione / Uno dà un'istruzione, l'altro la esegue una volta alla lettera, un'altra volta in modo più vago / Uno dà un'istruzione, l'altro fa il contrario. .. Tutto viene messo in comune dopo, in un grande vaso di principi collaborativi.

Tempo 2: si chiede agli studenti di portare oggetti-stimolo di qualsiasi tipo. Ad esempio, un articolo di giornale, una foto, un oggetto acquistato in un mercatino delle pulci, un elemento naturale... Qualsiasi elemento possibile, anche astratto.

Tempo 3: i gruppi di lavoro di due, tre, quattro (o più) studenti vengono sorteggiati a caso. Ogni gruppo pesca un principio di collaborazione dal vaso comune e un oggetto stimolo. I gruppi sono formati sulla base del principio molto realistico del "doppio lavoro" (studente + lavoro dello studente / insegnante + lavoro del cibo). Devono quindi gestire due lepri allo stesso tempo, essere coinvolti nella creazione di due progetti (almeno) e gestire le "agende" di questi due gruppi.

Tempo 4: ai margini dei gruppi, vengono nominati due "osservatori ONU". Questi osservatori osservano. Seguono i progressi delle collaborazioni. Le relazioni di potere, le interazioni, i metodi di lavoro intorno a loro.

Tempo 5: i gruppi, dotati dei loro principi di collaborazione e del loro oggetto-stimolo, creano un lavoro artistico basato su di essi. Per esempio, questo sarebbe: Una è la mano, l'altra la mente / basato su un articolo di giornale sugli sforzi di Pascal Smet per creare una pista ciclabile intorno alla tangenziale di Bruxelles, da parte di tre studenti. Il gruppo è organizzato in base a questi vincoli. È possibile moltiplicare i gruppi, l'uso o la combinazione di istruzioni, il numero di creazioni finali, ecc.

Tempo 6: il gruppo si riunisce, questa volta in una gerarchia orizzontale. Ogni partecipante scrive una testimonianza sotto forma di combinazione di testi/immagini/disegni raccolti in un pdf, ripercorrendo l'esperienza di tale forma di collaborazione e il suo risultato. È un esercizio di formattazione editoriale e di meditazione su ciò che genera questa o quella forma di collaborazione, secondo questo o quel protocollo di lavoro.

Tempo 7: alla fine viene organizzata una mostra dei pdf stampati (eventualmente riproposti, a seconda dello spazio), dove vengono riuniti tutti i pdf, oltre agli "oggetti" prodotti durante i laboratori precedenti, guidati dagli altri partecipanti (Lola, Loraine, Florence). Questi oggetti ci vengono inviati per essere integrati nella mostra.